Alejandro Jodorowsky

ALEJANDRO JODOROWSKY
Alejandro (Alexandro) Jodorowsky Prullansky (Tocopilla, Chile, 7 de febrero de 1929), es un artista polifacético chileno de origen judío-ucraniano. Entre sus muchas facetas destacan las de escritor, filósofo, dramaturgo, actor, poeta, director teatral, director de cine, guionista de cine, compositor de bandas sonoras, escultor y escenógrafo en cine, guionista de cómics, dibujante y autor de "Fabulas Pánicas", instructor del tarot, mimo, psicoterapeuta y psicomago. Fundó, junto a Roland Topor y Fernando Arrabal, el Grupo Pánico.1 Su aportación más controvertida es la psicomagia, una técnica que conjuga los ritos chamánicos, el teatro y el psicoanálisis, pretendiendo supuestamente provocar en el paciente una catarsis de curación. También es conocido en el mundo del cine por dirigir los controvertidos largometrajes La Montaña Sagrada, El Topo o Santa Sangre, entre otras.
Jodorowsky comenzó sus actividades artísticas a muy temprana edad inspirado principalmente por la literatura y el cine. Comenzó publicando poesías en Chile a la edad de dieciséis años. En esa época trabajaba junto a poetas como Nicanor Parra y Enrique Lihn. Luego desarrollo interés por las marionetas y la pantomima. A los 17 años debutó como actor y un año después creo la tropa de pantomima "Teatro Mímico". En 1948 escribe una pieza para títeres, su primer texto dramático: La fantasma cosquillosa. Entre 1949 y 1953 realiza en Santiago de Chile algunos actos improvisados que son un claro precedente del happening (adelantándose a sus precursores de EEUU que no comienzan hasta 1952), actos de corte surrealista que luego calificará de efímeros (en México) y, a partir de 1962, efímeros Pánicos en Francia. En 1950 crea el Teatro de Títeres del Teatro Experimental de la Universidad de Chile (TEUCH). En 1952 Jodorowsky, Enrique Lihn y Nicanor Parra crean el collage Quebrantahuesos (1952), poesía mural con recortes de periódicos. En 1953 Jodorowsky abandona Chile para siempre, viaja a París para estudiar pantomima con Étienne Decroux, el profesor de Marcel Marceau. Al año siguiente se unió a la compañía de teatro de Marcel Marceau con quien realizó giras por todo el mundo. Jodorowsky vive en París como mimo, entre 1953 y 1959, debutando en el cine en 1957, con el cortometraje mimo La Cravate, alabado por Jean Cocteau, que llega a escribir un prólogo para este filme (la copia en celuloide de este corto se perdió durante medio siglo, hasta que por azar apareció en 2006 en un ático de Alemania).

MIGUEL CALDERON

MIGUEL CALDERÓN
Miguel Calderón (nacido el 01 de junio 1971 en la Ciudad de México ) es un artista, actor, y escritor. Él es mejor conocido por su trabajo titulado "Mediocre agresivamente / mentales / Isla de la Fantasía (circule uno)", que formaba parte de una exposición de 1998 y fue adquirida por Wes Anderson y se muestra en la película The Royal Tenenbaums . Él recibió su BFA en el San Francisco Art Institute en 1994. Ha trabajado en pintura, fotografía, video e instalaciones.
Gran parte de la labor de Calderón ha sido llamado "low-brow" y que "tiene la habilidad de empujar los estereotipos burdos y clichés y provocativa extremos absurdos." Un artículo de Escultura revista lo llamó "algo de un fenómeno internacional", y el San Francisco Museum of Modern Arte lo llamó terrible del arte contemporáneo en México."
Ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Arte Contemporáneo Tamayo en Ciudad de México, la Andrea Rosen Gallery en Nueva York , el Museo de Historia Natural de la Ciudad de México , el San Francisco Art Institute 's Diego Galería de Rivera, y el 2004 São Paulo Bienal.
Ha realizado trabajos en, entre otros lugares, el Museo Guggenheim s '"Air: Proyecciones de México" exhiben, el "promotor no empobrece: Arte Contemporáneo Mexicano" espectáculo en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid , el PS 1 Contemporary Art Center en Nueva York , en 2005 Sharjah Biennale, de 2005 Yokohama Triennale, de 2006 Busan Biennale, y tenía una película de encargo para de 2006 Feria de Arte Frieze de Londres. En 2007, Calderón expuso con varios otros artistas de América Latina en el Museo de San Francisco de Arte Moderno .
También ha trabajado en colaboración con el artista Inglés Nick Waplington produciendo una serie de fotografías "Sherwin Williams / El jardín de las delicias Suburban" y la novela gráfica "Terry Pintor" que se exhibió en Nueva York y Londres.
Calderón pinturas en The Royal Tenenbaums se discuten en WNYC y la Radio Pública Internacional 's Studio 360 programa de radio, y también aparecen como parte de los extras de la película de DVD .

CODIGO 06140

Primer ejemplar: 2002
Periodicidad: bimestral
Formato: 16.5 X 22.5 cm
Número de páginas: 96
Tiraje: 25000 ejemplares

Director: Ricardo Porrero.
Editora: Nadia Benavides.


Editada por Sistemas de Información Automática, S.A. de C.V., se especializa en arte contemporáneo, arquitectura, música y moda, temas que aborda a través de los comentarios, las críticas y las recomendaciones de los expertos. Incluye agenda de exposiciones y guía de lugares de esparcimiento en la ciudad de México. Su formato es medio oficio con forros e interiores en couché a color, con fotografías e ilustraciones.

REVISTA CELESTE

Primer ejemplar: mayo de 2001
Periodicidad: trimestral
Formato: 22 X 29 cm
Número de páginas: 192
Tiraje: 25000 ejemplares

Directores: Vanesa Fernández y Aldo Chaparro.
Editor: José García Torres.
Consejo editorial: Magali Arriola, Gerónimo Hagermann, Patricia Sloane, Mario Bellatin, Mario García Torres, Stephan Bruggeman, Philipe Hernández, Pablo León de la Barra, Rossana Lerdo de Tejada, Carlos Rank, Marcelo Ríos, Alejandro Romero, Alejandro Rosso y Lucas Villarreal.

Revista publicada por la editorial del mismo nombre. Difunde las diversas expresiones del estilo de vida contemporáneo tales como la arquitectura, la moda, la música, la literatura y las artes visuales, entre otras. Parte de su contenido es traducido al inglés en especial la sección de entrevistas. Su distribución abarca México, Inglaterra, Francia y Japón. Incluye de manera anexa una segunda revista titulada No ficción que presenta historias basadas en la vida real. Su formato es carta con forros en couché e interiores en papeles bond, revolución y couché a color, con fotografías e ilustraciones.

ALDO CHAPARRO

Después de más de diez años el artista peruano radicado en México Aldo Chaparro presenta la exposición individual titulada I FEEL SO EXTRAORDINARY.
La muestra incluye diferentes técnicas como la escultura, instalación y fotografía todas ellas teniendo como hilo conductor a la música.

El trabajo artístico de Chaparro se centra en la escultura, el diseño y la fotografía. Es conocido por expandir los límites entre lo denominado arte y otras disciplinas, convirtiendo precisamente a esta frontera en su tema principal. El artista he expuesto en diversos países de América y Europa. Como director editorial del Grupo Editorial Celeste Chaparro ha publicado más de 40 revistas y libros en los campos del arte contemporáneo, moda y diseño incluyendo las revistas Celeste y Baby Baby Baby, dos de las publicaciones latinoamericanas más influyentes a nivel mundial en cultura contemporánea.
Chaparro percibe la música como un acontecimiento cultural amplificado que nos afecta mucho más que como un mero elemento sónico; su impacto personal, sentimental, generacional y sexual es innegable. En un esfuerzo por representar este fenómeno, el artista reinterpreta atmósferas y descontextualiza letras y títulos de canciones para construir objetos que evidencian estructuras musicales.

Su trabajo trata de entender a una sociedad que ha hecho de la música su religión como resultado de la influencia en la sociedad contemporánea de la música popular y su penetración dominios de lo económico, sociológico, artístico e histórico.

LA PANADERIA

La Casa de la Panadería es un edificio de cuatro alturas, con la planta baja porticada, estando rematado el último piso en forma de ático, y los laterales coronados por torres angulares. Está situada en el centro del lado norte de la Plaza Mayor de Madrid.
La Casa de la Panadería fue levantada durante la construcción de la Plaza Mayor, siendo Juan Gómez de Mora el encargado de su construcción, que terminó en 1619. Tras el segundo incendio de la plaza en 1670 fue reconstruida por Tomás Román, encargándose los pintores Claudio Coello y José Jiménez Donoso de la decoración interior y los frescos de la fachada. Tras el tercer incendio de la plaza en 1790, del que se libró la Casa de la Panadería, sirvió de referencia a Juan de Villanueva para la reconstrucción del caserío de la plaza.
Ha sufrido distintas remodelaciones desde entonces, entre las que destaca la llevada a cabo por Joaquín María de la Vega en 1880.
En 1988, el Ayuntamiento de Madrid convocó un concurso público restringido para acometer la decoración de la fachada, debido al gran deterioro de las pinturas que había realizado el pintor y ceramista Enrique Guijo en 1914. A ese concurso fueron invitados los artistas Guillermo Pérez Villalta, Sigfrido Martín Begué y Carlos Franco, resultando ganador este último, con un proyecto basado en personajes mitológicos como Cibeles, Proserpina, Baco o Cupido, y otras inventadas por el artista, relacionadas con la historia de Madrid y de la Plaza Mayor. Los trabajos para pintar los frescos de Carlos Franco se llevaron a cabo en 1992.

GABRIEL OROZCO

Gabriel Orozco:

Es un artista mexicano nacido en Xalapa, Veracruz y educado en la Escuela Nacional de Artes Plásticas(ENAP) de 1981 a 1984. Continuó su educación en el Círculo de Bellas Artes de Madrid desde año1986 al 1987. Explorando el uso de video, dibujo, y la instalación así como fotografía y escultura, Orozco da libertad a la audiencia para explorar las asociaciones creativas entre objetos ignorados tradicionalmente en el mundo de hoy. Su trabajo extrañamente permite una interacción entre la pieza y la audiencia. Por ejemplo, los visitantes al Museo de arte contemporáneo en Los Ángeles, California pueden jugar con la pieza Ping Pond Table (1998) que es una mesa de tenis para cuatro personas. El centro de la pieza es una charco orquídea con cuatro piezas hemisféricas de mesas ping pong alrededor en forma de cruz.
Artista considerado como uno de los artistas mas influyentes.

Realizó estudios en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, "La Esmeralda" en 1951, en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México en 1948, en la Academia de la Grande Chaumier en París entre 1944 y 1959 y entre 1954 y 1955, en la Academia Colarossi, de Paris, Francia gracias a una beca del gobierno frances. Estas dos últimas resultan de suma importancia para su formación, ya que es ahí donde trabaja con el escultor francés de origen ruso Ossip Zadkine (1949-1950). Zadkine, un artista formado en el cubismo, habrá de convertirse en una de las mayores influencias para el trabajo posterior de Manuel Felguérez.

Su carrera académica, realizada en paralelo a su actividad artística, lo llevó en 1967 a ser maestro invitado en la Universidad de Cornell, Estados Unidos y en 1975, investigador huésped en la Universidad de Harvard, así como a impartir la clase de Composición de la Estructura del Cuadro en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. A partir de 1977 se convierte en investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM, hasta su jubilación en 1990.

Felguérez aumenta su interés por la utilización de la tecnología en la producción plástica, y realiza dos proyectos relacionados entre sí, El espacio múltiple (1973) y La Máquina Estética (1975).
Posteriormente, a inicio de los años ochenta, abandona el trabajo con la computadora y retorna a las prácticas tradicionales, en que se desempeña hasta la fecha, oscilando siempre entre dos estilos, uno vinculado al constructivismo, y otro al expresionismo.

Lilia Carrillo

Lilia Carrillo

Nació en la ciudad de México en 1930. Fue alumna de Manuel Rodríguez Lozano, por lo que se le considera heredera de la llamada Escuela Mexicana de Pintura. Asiste más tarde a la Escuela de Pintura, Escultura y Grabado "La Esmeralda", donde estudia con Agustín Lazo, Carlos Orozco Romero, Antonio Ruiz y Pablo O'Higgins, obtiendo su título de maestra en artes plásticas en 1951. En 1953 viaja becada a París y estudia en la Academia de la Grande Chaumiere, exhibiendo en la Maison du Mexique y en la Exposición de Artistas Extranjeros en Francia (1954), regresando en 1955 a su país. Durante su estancia en Francia, al igual que muchos de los pintores mexicanos, recibió la influencia de las vanguardias internacionales como el cubismo, el surrealismo, el expresionismo abstracta y el informalismo abstracto. En 1960 contrae matrimonio con el también pintor y escultor Manuel Felguérez. Su obra se expone en Washington, Nueva York, Tokio, Lima, São Paulo, Madrid, Barcelona, Bogotá y Cuba. En 1966, durante su participación en la muestra Confrontación 66 en el Palacio de Bellas Artes, se suscita un enfrentamiento entre las nuevas tendencias y los últimos representantes de la escuela mexicana de pintura. Este suceso da lugar al nacimiento del grupo conocido como Generación de Ruptura, donde se le reconoce como iniciadora del informalismo abstracto. Desgraciadamente, un aneurisma en la médula espinal en 1969, la aparta de la pintura hasta su muerte, acaecida el 6 de junio de 1974.

Arte Objeto

EL ARTE OBJETO

El Arte-Objeto, eleva a la dignidad de arte a los objetos simples y cotidianos como prueba de que el arte es, sobre todo, una actitud mental que reside en el espectador y que, mediante la representación de estos objetos en una sala de exposiciones, se aprecian las calidades estéticas y no las utilitaria.

Al sacar un objeto del contexto que le es habitual y en el que se realiza una función práctica, sin que este sea basura y a su vez se le sitúa en una dimensión en la que al no existir nada utilitario todo puede ser estético. Lo que determina el valor estético ya no es un procedimiento técnico, sino un acto mental, una actitud distinta ante la realidad.

Arte Conceptual

Arte Conceptual

El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como menor soporte.

El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg. Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel Duchamp (principal artista) serviría como precursor, con sus trabajos llamados ready-mades daría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común.

El arte conceptual emplea habitualmente materiales como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente; la idea tras el arte es más importante que el artefacto en sí.

Arte Abstracto

Arte Abstracto

Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.[1] El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible.

La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial o completa. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. La obra de arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta. La abstracción total no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible.

La Ruptura

La Ruptura

La Ruptura es el nombre dado al conjunto de artistas mexicanos y extranjeros radicados en México, que en la década de los 50 comenzaron a reaccionar contra lo que percibían como los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura, la cual aglutinaba a los muralistas mexicanos (David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera y José Clemente Orozco entre otros) cuya temática nacionalista, izquierdista y revolucionaria había sido la corriente artística hegemónica en México desde el estallido de la revolución mexicana en 1910. La generación de la Ruptura incorporaba valores más cosmopolitas, abstractos y apolíticos en su trabajo, buscando entre otras cosas expandir su temática y su estilo más allá de los límites impuestos por el muralismo y sus ramificaciones. Es de hacer notar que el movimiento no fue jamás organizado ni definido, como tal se daba de modo bastante espontáneo, no era deliberado y las relaciones entre sus miembros fueron mas bien informales.

Vicente Rojo

Vicente Rojo

Vicente Rojo Almazán es un pintor y escultor mexicano, nacido en 1932 en Barcelona, España, ciudad en la que hizo sus primeros estudios de escultura y cerámica.

En España hace sus primeros estudios de dibujo, cerámica y escultura en 1946 en la Escuela Elemental del Trabajo.

Vicente Rojo es sobrino del general Rojo, el más acreditado jefe de las tropas de la Segunda República Española que se opusieron al golpe de estado protagonizado por el general Franco.

Obtenida la nacionalidad mexicana, estudia pintura en la escuela de arte La Esmeralda y realiza durante estos más de cuarenta años una amplia obra en pintura, diseño gráfico y en fechas más recientes escultura.

Exponiendo en numerosas ocasiones en México y en el extranjero a partir de 1958, en 1991 es galardonado con el Premio Nacional de Artes,[1] y el Premio México de Diseño, habiendo participado en el diseño gráfico de diversas publicaciones culturales como la Revista de Bellas Artes, la Revista de la Universidad, UNAM, Plural, México en el Arte y el periódico La Jornada, entre otros.

Juan Soriano

Juan Soriano

Juan Soriano (1920-2006) fue un artista plástico mexicano, fue llamado "El Mozart de la Pintura" debido a que, desde temprana edad, demostró grandes aptitudes para la creación plástica.

Nació el 8 de agosto de 1920 en Guadalajara, Jalisco. Desde niño dio muestras de sus enormes dotes artísticas. Chucho Reyes, Roberto Montenegro y Luis Barragán se cuentan entre sus influencias iniciales.

A la edad de catorce años montó su primera exposición colectiva, mientras participaba en el taller de Francisco Rodríguez. Lola Álvarez Bravo, José Chávez Morado y María Izquierdo, llegaron a la exposición, que había quedado bajo el resguardo de Soriano, entonces, cuando le preguntaron de quién eran unas pinturas ahí expuestas, el joven Juan respondió que de él. En ese momento, aquellos personajes le incitaron a irse a la Ciudad de México, para poder mejorar su técnica, ya que calificaron a su obra como "interesante".

Rufino Tamayo

Rufino Tamayo

Rufino Tamayo (25 de agosto de 1899 - 24 de junio de 1991). Destacado pintor mexicano, nació en Oaxaca, Oaxaca, México. Falleció en la Ciudad de México.

En la obra de Tamayo se refleja su fuerza racional, emocional, instintiva, física y erótica. Su producción expresa sus propios conceptos de México; nunca siguió la corriente de otros pintores mexicanos contemporáneos suyos cuya obra, identificada con diversas posturas políticas Tamayo no aceptó como propuesta: Diego Rivera, de abierta militancia comunista o trotskista y David Alfaro Siqueiros, comunista con posturas radicales, son ejemplo de aquello.

Rufino Tamayo fue un artista siempre en búsqueda de nuevas técnicas. Junto con Lea Remba creó un nuevo tipo de técnica gráfica, conocida como mixografía; impresión sobre papel a la que se le añade profundidad y textura. Una de las mixografías más famosas de Tamayo es "Dos Personajes Atacados por Perros".

Sus pinturas y mixografías han sido expuestas en museos como The Philips Collection de Washington, DC y el Museo Guggenheim de Nueva York, Estados Unidos. En la Ciudad de México, el museo que tiene la colección más importante es el Museo de Arte Moderno en el Bosque de Chapultepec.

El museo que lleva su nombre Museo Tamayo Arte Contemporáneo está dedicado exclusivamente al arte contemporáneo y no expone su obra regularmente.

Movimiento Pánico

Movimiento Pánico

Es un movimiento fundado por el dramaturgo y cineasta Fernando Arrabal; el escritor, filósofo, psicomago y director de cine chileno Alejandro Jodorowsky y el pintor y actor francés descendientes de judíos polacos Roland Topor en París, en 1962.

Las primeras experiencias pre-pánicas parten de las obras del primer teatro de Arrabal, cuya cronología el catedrático Torres Monreal establece entre 1953 y 1961 , así como de la dirección de Teatro de Vanguardia por Jodorowsky en Ciudad de México en torno a 1958/1959.

El nombre se inspira en el del dios Pan, el cual se manifiesta a través de tres elementos básicos: terror, humor y simultaneidad. Jodorowsky declara que el calificativo Pánico se le ocurrió a él (véase el documental Arrabal, cineasta pánico) ya que creía que el movimiento debía tener un nombre propio, pues más que un epígono post-surrealista, se trataba de una especie de neo-Dadá.

Angelina Beloff

Angelina Beloff

En la tumultuosa biografía de Diego Rivera (1886-1957) Angelina Beloff ha ocupado siempre un pequeño espacio. Menos conocida que Frida Khalo ella fue, sin embargo, su primer esposa con la cual vivió 12 años y tuvo un hijo. Su vida junto a él, y aun después, fue muy penosa. El mismo Diego en una oportunidad manifestó: “Angelina me dió todo lo que una mujer puede brindar a un hombre. En cambio, ella recibió de mí, toda la miseria que un hombre puede infligira una mujer”.Angelina Belloff nació en San Petesburgo. Inclinada por el arte realizó estudios en la Academia Imperial de Bellas Artes, donde obtuvo una beca para continuar sus estudios en París. Luego viajó a Bruselas donde conoció a Diego Rivera y dos años después contrajeron matrimonio. Como artista joven y talentoso Diego sólo pensaba en su arte, como hombre no solamente tenía amantes sino que le gustaba vanagloriarse respecto a sus conquistas amorosas. Angelina lo amaba incondicionalmente, no quería perderlo y lo atendía con cuidado maternal dejando de lado su tarea de grabadora para brindarle más atención. En 1916, nació el hijo de ambos quien falleció en el otoño de 1919, debido a una epidemia. de gripe.Diego Rivera abandona París en1921. Angelina le escribe cartas que nunca responde. Once años después ella viaja a Méjico, En esta ciudad se cruza con Diego en un teatro, pero él pasa a su lado “sin reconocerla”. Angelina encuentra las fuerzas necesarias para seguir su carrera en ese país que quería como si fuera el suyo. Participa en la vida artística de la ciudad e ilustra libros para editoriales. Una colección de 42 trabajos suyos que incluyen grabados en metal,linoleum y madera, se exhiben permanentemente en el Museo Xochimilco de Méjico. La sala lleva su nombre y se encuentra junto a las de Diego Rivera y Frida Khalo.

Francisco Goitia

Francisco Goitia

Francisco Goitia (Fresnillo, 4 de octubre de 1882 - Xochimilco, México D.F., 26 de marzo de 1960) fue un artista sui generis dentro del panorama cultural mexicano ya que se mantuvo al margen de las costumbres sociales de su época y de la corriente pictórica oficial. Aunque perteneció a la llamada Escuela Mexicana de Pintura y Escultura —personificada por Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, entre otros, no participó en el movimiento muralista iniciado en 1922.
Creador de algunas de las obras más características del arte mexicano, como Tata Jesucristo y Los Ahorcados. En 1898 ingresa a la Academia de San Carlos, en la ciudad de México, y posteriormente, en 1904, viaja a Barcelona, donde adquiere una gran madurez pictórica bajo las enseñanzas de su maestro de formación prerrafaelista Francisco de Asís Galí, quien también fue maestro de Joan Miró.

Gerardo Murillo

Gerardo Murillo

Gerardo Murillo nace el 3 de octubre de 1875 en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, en donde estudia pintura en el taller de Felipe Castro y en 1896 ingresa a la escuela Nacional de Bellas Artes en la ciudad de México, sus estudios fueron pagados por Porfirio Díaz como estudiante de pintura.En 1897 viaja a Europa y estudia Filosofía con Antonio Labríola y derecho penal con Enrico Ferrí en la universidad Estatal de Roma, Italia. En 1890 presenta en el salón de París su autorretrato pintado al pastel, por ello obtiene una medalla de plata. Decora en 1901 los muros de una Villa Romana donde representa la lucha del hombre frente al cosmos y la sociedad (actualmente destruidos).En 1903, regresa a México, trae consigo un gran entusiasmo por la pintura renacentista, el neoimpresionismo y el fauvismo. En 1908 decora los muros del Salón de la Escuela Nacional de Bellas Artes, donde representa desnudos de mujeres utilizando por primera vez su técnica Atl-color. En 1910 se organiza una exposición de artistas mexicanos, que representa el gobierno mexicano sobre pintura española. Esta primera sección de la exposición termina con la iniciativa de Gerardo Murillo de crear el Centro Artístico con el propósito de pintar los muros públicos, idea que se vio interrumpida por el estallido de la Revolución en noviembre de 1910.

Fue un hombre que se preocupaba por su país y siempre estuvo apoyando al pueblo al margen de lo que sucedía, por eso mismo fue unos de los protagonistas de la Revolución Mexicana que luchó para que el país fuese uno de los mejores.En cuanto a sus pinturas el cuadro que más gusta es el Popocatépetl, es una gran pintura que representa la grandeza de los volcanes (paisajes), porque pueden expresar una gran tristeza, soledad o alegría.

Frida Kahlo:

(Coyoacán, México, 1907-id., 1954) Pintora mexicana. Aunque se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus ideales, Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida.

A los dieciocho años Frida Kahlo sufrió un gravísimo accidente que la obligó a una larga convalecencia, durante la cual aprendió a pintar, y que influyó con toda probabilidad en la formación del complejo mundo psicológico que se refleja en sus obras. Contrajo matrimonio con el muralista Diego Rivera, tuvo un aborto (1932) que afectó en lo más hondo su delicada sensibilidad y le inspiró dos de sus obras más valoradas: Henry Ford Hospital y Frida y el aborto, cuya compleja simbología se conoce por las explicaciones de la propia pintora. También son muy apreciados sus autorretratos, así mismo de compleja interpretación: Autorretrato con monos, Las dos Fridas.

Cuando André Breton conoció la obra de Frida Kahlo dijo que era una surrealista espontánea y la invitó a exponer en Nueva York y París, ciudad esta última en la que no tuvo una gran acogida. Nunca se sintió cerca del surrealismo, y al final de sus días decidió que esa tendencia no se correspondía con su creación artística.

En su búsqueda de las raíces estéticas de México, Frida Kahlo realizó espléndidos retratos de niños y obras inspiradas en la iconografía mexicana anterior a la conquista, pero son las telas que se centran en ella misma y en su azarosa vida las que la han convertido en una figura destacada de la pintura mexicana del siglo XX.

SATURNINO HERNAN:

Saturnino Herrán nació en 1887 en la ciudad de Aguascalientes. Su padre, José Herrán, tenía la única librería de la ciudad y durante años fue tesorero del Estado de Aguascalientes, además de profesor de teneduría de libros del Instituto de Ciencias de la capital del estado. La madre del pintor se llamaba Josefa Guinchard y era de procedencia suiza francesa. Saturnino era hijo único.Poco se sabe de la infancia y juventud de Saturnino. En 1903, cuando éste aún no tenía 16 años se muere su padre. Dos años antes la familia se había trasladado a la ciudad de México y Saturnino se había inscrito a los cursos superiores de la Escuela Nacional de Bellas Artes (ENBA). A la muerte de su progenitr, la familia viene a menos. Deciden quedarse a vivir en México, donde esperaban encontrar más oportunidades económicas y seguir sus estudios de arte.Saturnino se convirtió en el sostén de la familia. Trabajó en telégrafos mientras por la noche tomaba sus clases. Luego obtuvo una beca y pudo dedicarse por completo a la pintura.

En 1903 el Arq. Antonio Rivas Mercado fue nombrado director de la EMBA, donde impuso una técnica para enseñar a dibujar basado en modelos geométricos, planos y volúmenes. Como subdirector se contrató al pintor catalán Antonio Fabrés, quien no estaba de acuerdo en la forma de enseñar de Rivas Mercado, así que Fabrés renuncia en 1906. Fabrés defendía el "realismo" y era muy meticuloso en los detalles de sus cuadros. Saturnino Herrán fue su discípulo, convirtiendose en uno de los pintores que mejor ha sabido captar a la gente de México en su realidad cotidiana, pero con un sello personal. Cuando Fabrés abandona la academia, Herrán paso a ser dirigido por Germán Gedovius, maestro mexicano, extraordinario colorista que enseña a Saturnino a pintar.Herrán recibe premios en 1908, año en que pinta Labor o El Trabajo adquirida al año siguiente por la Secretaría de Instrucción Pública. Al año siguiente pintó: Molino de vidrio y Vendedoras de ollas. Entre 1910 y 1911 pintó unos paneles decorativos para la Escuela Nacional de Artes y Oficios para Hombres.

DAVID ALFAROZ:

(Chihuahua, 1898 - Cuernavaca, 1974) Pintor mexicano, figura máxima, junto a Diego Rivera y José Clemente Orozco, del muralismo mexicano. Tributaria de la estética expresionista y la retórica declamatoria que le exigía su radicalismo político, su pintura aunó la tradición popular mexicana con las preocupaciones del surrealismo y el expresionismo europeos.

Siqueiros adaptaba sus composiciones a lo que él llamó la "arquitectura dinámica", basada en la construcción de composiciones en perspectiva poliangular. Para ello estudiaba cuidadosamente los posibles recorridos de los futuros espectadores en los lugares que albergarían sus murales y definía así los puntos focales de la composición. Siqueiros llegó a utilizar una cámara de cine para reproducir la visión de un espectador en movimiento y ajustar más eficazmente la composición a esa mirada dinámica.

El mural que realizó en la sede del Sindicato Mexicano de Electricistas (1939-1940, Ciudad de México) bajo el título Retrato de la burguesía, recoge el aprendizaje obtenido tras las investigaciones efectuadas a lo largo de toda la década de los treinta y constituye una de las obras murales más significativas del siglo XX.

DIEGO RIVERA:

Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez (Guanajuato; 8 de diciembre de 1886 — México, D. F.; 24 de noviembre de 1957) fue un destacado muralista mexicano de ideología comunista, famoso por plasmar obras de alto contenido social en edificios públicos. Fue creador de diversos murales en distintos puntos del centro histórico de la Ciudad de México, así como en la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo,[1] y en otras ciudades mexicanas como Cuernavaca y Acapulco, así también algunas otras del extranjero como San Francisco, Detroit y Nueva York.

Pintor mexicano que realizó murales con temas sociales, considerado como uno de los grandes artistas de este siglo. Nació en Guanajuato y fue educado en la Academia de Bellas Artes de San Carlos, en la ciudad de México. Entre 1907 y 1921 estudió pintura en Europa, principalmente en España y Francia, familiarizándose con las innovadoras formas cubistas de Pablo Picasso, el impresionismo de Renoir, la composición de Cézanne y otros artistas de la época. En 1921, Rivera regresó a México, donde representó un papel determinante en el renacimiento de la pintura mural iniciado por otros artistas y patrocinado por el gobierno. Se dedicó a pintar grandes frescos, sobre la historia y los problemas sociales de su país, en los techos y paredes de edificios públicos, ya que consideraba que el arte debía servir a la clase trabajadora y estar fácilmente disponible o a su alcance.

Llegó a México una importante colección de estatuillas de diversas culturas indígenas, que instaló en su casa museo, el Anahuacalli, en la ciudad de México. Como él mismo dijo, condensando el sentido de su obra, su propósito era ligar un gran pasado con lo que queremos que sea un gran futuro de México. Murió el 24 de noviembre de 1957 en la ciudad de México.

Neoclasicismo

Neoclasicismo

Fue un movimiento que se produjo en Europa surgio en el siglo XVIII ante los cánones agotados de clásicismo al producirse el desgaste de las culturas Barrocas se le domino así por su forma peyorativa al movimiento estético que reflejaba en las artes, sus principios intelectuales de la ilustración que a mediados del siglo XVIII se produjo en la Filosofía transmitida a los ámbitos de la cultura.

En esta época el color paso a un segundo termino y adquirio mucha importancia el dibujo, osea el trazo puro y el color es aplicado, solo como complemento.

Trato de imitar los estilos imitados en la antigua Grecia y Roma, se inspiraban en las obras de la época clásica que se tienen por perfectas y definitivas e inpiraban a una belleza ideal.

JUAN CORDERO (1824 – 1884)

JUAN CORDERO (1824 – 1884)
Nace en Teziutlán, Puebla, reflejo actitudes desde temprana edad, a los 21 años viajo a Europa para estudiar en la academia Di San Luca, en Roma la mas prestigiada de Europa, terminando sus estudios en 1849.
Conquista su primer premio situándose a la altura de cualquiera de sus colegas e instala su propio estudio interesado en la dirección de la academia establece férrea rivalidad con Pelegrín Clavé
Pinturas importantes:
Dolores Tosta de Santa Anna
Encargado del mural de la escuela nacional preparatoria.
En diversas iglesias
Exhibe en San Carlos en 1854 y 1875.

JOSÉ GUADALUPE POSADAS

JULIO RUELAS:

Nacio en zacatecas en 1870 y mmurio en paris en 1907.
Fue un pintor y grabador mexicano el cual colaboro en la fundación de la revista moderna en 1898 que se convertiría en un importatisimo organo de la difusión cultural.

Su obra comprende el dibujo naturalista y academico, la pintura simbolica y alegorica y el grabado por el procedimiento del aguafuerte, cuya tecnica aprendió en parís y con la que alcanzaría sus mejores obras.

Muralismo

Muralismo

El Muralismo es un movimiento artístico mexicano de principios del siglo XX que se distingue por tener un fin educativo. Este fin educativo se consideró esencial para poder lograr unificar a México después de la revolución. Gran parte de estos artistas, debido al contexto que se vivía en la post-revolución, tuvo una gran influencia de las ideas marxistas por eso a través de los murales se proyecto la situación social y política del México post-revolucionario El Muralismo fue pensado con fines educativos y era empleado en lugares públicos a los que todo tipo de gente sin importar raza y clase social pudiera acceder. Algunos de los temas eran la conquista, la Revolución Mexicana, la industrialización, los personajes principales de la cultura popular, las tradiciones populares, los caudillos mexicanos, la sociedad civil, los militares, el socialismo, el capitalismo, etc.

Los murales de Diego Rivera hablaban en especial de la revolución, aunque en un principio su meta fue representar a los miembros mayoritarios de México, constituido principalmente de campesinos, indígenas y mestizos. Hay murales en la mayoría de los edificios públicos de la Ciudad de México y de otras ciudades, siendo una de éstas Guanajuato, localizada en un Estado muy importante para el país por ser cuna del movimiento de Independencia

JOSÉ GUADALUPE POSADAS

JOSÉ GUADALUPE POSADAS
(1853 – 1913)
Pintor y caricaturista, famoso por sus litografías de escenas de muerte y estampas populares y caricaturas sociales, inspiradas en el folklor.
Procedió de su prestigio con la litografía y el grabado, trabajo y fundo periódicos de gran importancia de producción nacionalista y popular
Las calaveras de Posada son en la mayoría de los casos asociadas con el Día de los Muertos, ya que interpretó la vida y las actitudes sociales del pueblo mexicano, representados en sus grabados con calaveras vestidas de gala, calaveras en fiesta de barrios, en calles citadinas, en las casas de los ricos. Dibujó calaveras montadas a caballos, en bicicletas, con las que señalaba las lacras, la miseria y los errores políticos del país.
Ayuda a la consolidación de las fiestas del día de muertos e influyo en artistas como Orozco y diego Rivera.
Aprendió dibujo y grabado y litografía en el taller de trinidad Pedroso.

Manuel Tolsá

Manuel Tolsá
Estudió en Valencia en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Fue discípulo de José Puchol en escultura y de Ribelles, Gascó y Gilabert en arquitectura. Fue escultor de la cámara del rey, ministro de la Junta de Comercio, Moneda y Minas y académico en San Fernando. En 1790 fue nombrado director de la Academia de San Carlos . Llegó a la Nueva España en 1791 con libros, instrumentos de trabajo y copias de esculturas clásicas del Museo Vaticano.
Construyó la cúpula y la fachada de la catedral de México (1792-1813), ciudad a la que dotó de diversos edificios (Palacio de la Escuela de Minería, 1797-1813) y monumentos. Como escultor fue fiel al barroco («el Ciprés», retablo mayor de la catedral de Puebla). De entre sus imágenes y esculturas sobresale la estatua ecuestre de Carlos IV (1796-1803), conocida comúnmente como “el Caballito”.
A su llegada el ayuntamiento le encargó la supervisión de las obras de drenaje y abastecimiento de aguas de la Ciudad de México y la reforestación de la Alameda Central. Por estos servicios no recibió compensación alguna. Luego se dedicó a las distintas obras artísticas y civiles por las cuales se recuerda. Además, fabricó muebles, fundió cañones, abrió una casa de baños y una fábrica de coches e instaló un horno de cerámica.

José María Velasco

José María Velasco
Pintor paisajista mexicano.
Nació en el Estado de México, en el año 1840. Se trasladó a la ciudad con toda su familia, siendo aun muy joven. Debido a la gran disposición que tenía en el área del dibujo y la utilización de los colores, pudo ingresar a la Academia de San Carlos, cuando tenía la edad de 18 años. En ese lugar se inscribió en el taller del maestro Eugenio Landesio, quien prontamente descubrió las cualidades que poseía Velasco para especializarse en los paisajes. Siendo este un buen profesor lo instruyo adecuadamente para que se convirtiera en un gran pintor. Así mismo como tuvo una carrera llena de meritos y logros, se vio frente a envidias, incomprensiones e intrigas, superando todas estas cosas. Murió en el año 1912, habiendo cumplido las metas que anteriormente trazo para su vida. Cabe señalar que en el año 1889, Velasco fue invitado para ser el delegado oficial del gobierno mexicano, en la Exposición Internacional de París, en la cual fue honrado con la condecoración: “Caballero de la Legión de Honor”. Sin duda alguna, José María Velasco, tiene un lugar importante en toda la historia del arte, de la ciudad de México del siglo XIX, ya que no hubo otro artista contemporáneo que produjera una obra parecida en relación a la importancia, toda la autenticidad y la cantidad de sus trabajos. Aunque el solo se dedicó a la pintura de paisaje, su gran entrega, la cual es admirable, le permitió realizar hermosos cuadros que no tienen igualdad en el resto del arte académico de su época.

Romanticismo

Romanticismo

El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo es que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma nación se desarrollan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes.
Se desarrolló fundamentalmente en la primera mitad del siglo XIX, extendiéndose desde Inglaterra a Alemania hasta llegar a países como Francia, Italia, Argentina, España, México, etc. Su vertiente literaria se fragmentaría posteriormente en diversas corrientes, como el Parnasianismo, el Simbolismo, el Decadentismo o el Prerrafaelismo, reunidas en la denominación general de Posromanticismo, una derivación del cual fue el llamado Modernismo hispanoamericano. Tuvo fundamentales aportes en los campos de la literatura, el arte y la música. Posteriormente, una de las corrientes vanguardistas del siglo XX, el Surrealismo, llevó al extremo los postulados románticos de la exaltación del yo.

Rafael Ximeno y Planes

“Rafael Ximeno y Planes”
Valenciano de origen, fue un artista pensionado por la Academia de San Fernando de Madrid para estudiar en Roma, tradición por excelencia de las Academias europeas de mandar a los mejores estudiantes a dicha ciudad. Su maestro fue Antonio Rafael Mengs, uno de los artistas más significativos del siglo XVIII. Otra influencia que recibió fue la obra de Giambattista Tiépolo.1 En México es mejor conocido por sus retratos, entre los que se cuentan los de Manuel Tolsá y Jerónimo Antonio Gil. Estas dos obras específicamente manifiestan ya un alejamiento de los cánones barrocos novohispanos, puesto que el pintor no recurre a las grandes cartelas, escudos o inscripciones característicos. Otra obra interesante es la pintura mural El Milagro del Pocito en la Capilla del Colegio de Minas realizada al temple entre 1809 y 1814. Sin embargo, la obra que le dio fama fue la que realizó en la cúpula de la Catedral de México, La Asunción de la Virgen, en la que Toussaint destacaba la influencia de Tiépolo en cuanto a la composición derivada del barroco repleta de ángeles, nubes y personajes que parecían abrir el cielo. No obstante esta obra fue destruida en el incendio de 1967.

José Agustin Arrieta

José Agustin Arrieta

Agustín Arrieta nació el 29 de agosto de 1803 en Santa Chiautempan, Tlaxcala y a la edad de cuatro años se mudó con su familia a la ciudad de Puebla. Desde muy joven inició sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Puebla, bajo las órdenes de pintores de reconocido prestigio artístico y social en Puebla como Jukián Ordóñez, Lorenzo Zendejas y Salvador del Huerto, de quienes obtuvo la habilidad para el dibujo, la facilidadd para las composiciones, los conocimientos anatómicos para la construcción de retratos. De sus primeros años datan una colección de estampas en las que se ilustran diversas maquinarias industriales. Posteriormente realizó retratos entre los que destaca uno del general Ignacio Zaragoza, así como algunos cuadros religiosos.

Arrieta abandona las cuestiones académicas y optó por seguir su percepción de la realidad de la época, a partir de aquí es cuando es más valorado en quehacer pictórico del artista produciendo escenas costumbristas y naturalezas muertas, reflejo de un hombre liberal dentro de una sociedad regida por las buenas costumbres. Permaneció indiferente ante la manifestación pictórica del siglo XIX, la pintura de paisaje, que el italiano Eugenio Landesio enseñó en la Academia, pintura que alcanzó su cumbre con José María Velasco. Fue famoso por sus pinturas de "chinas poblanas" y presentó sus obras en diversas exposiciones como en 1850 en la Academia Nacional de San Carlos, en 1851, 1853 y 1855 en la de Puebla. Arrieta muere en la ciudad de Puebla el 22 de diciembre de 1874.

Miguel Cabrera (1695-1768)

Miguel Cabrera

Miguel Cabrera (1695-1768) fue un pintor mexicano, uno de los artistas más prolíficos del arte virreinal del siglo XVIII.
Nació en Antequera (hoy Oaxaca) y en 1719 se trasladó a la Ciudad de México. Se cree que inició su formación artística en el taller de los hermanos Rodríguez Juárez, aunque también es posible que fuera discípulo de José de Ibarra.
Fue un artista muy prolífico, más preocupado por satisfacer la enorme cantidad de encargos que llegaban a su taller, que por la calidad de los mismos. El tema mariano, y más concretamente la Virgen de Guadalupe, ocupa gran parte de su obra; sobre esta materia escribió Maravilla americana y conjunto de raras maravillas observadas con la dirección de las reglas del arte de la pintura (1756).

De su vasta producción destaca el Retrato de sor Juana Inés de la Cruz (1751), el Vía Crucis de la Catedral de Puebla y los cuatro lienzos ovalados del crucero de la catedral de México. También es autor de multitud de imágenes de santos repartidas por numerosos museos, conventos e iglesias, como el San Ignacio de Loyola y la Virgen del Apocalipsis de la Pinacoteca Virreinal de México, Ciudad de México o el Martirio de san Sebastián de la iglesia de Taxco (Guerrero), sitio del que además, es sobresaliente el conjunto de pinturas de su sacristía.
Su arte se muestra espléndido en las obras de pequeño y mediano formato, sobre todo en las pinturas que tienen planchas de cobre como soporte. En ellas destacan sus cálidos y vivos colores, sin parangón en la escuela novohispana del siglo XVIII, así como su firme dibujo y las poéticas expresiones de los rostros de sus Vírgenes, Santos e incluso retratos de personajes de su tiempo.
Cabrera fue extraordinariamente prolífico. Hasta tal punto, que se supone que su taller debió estar organizado de forma similar a una cadena de montaje, en el que cada miembro del mismo se especializaba en una tarea concreta. Durante los últimos veinte años, un incompleto y apresurado recuento nos da como resultado que más de una cincuentena de obras firmadas por el artista se han vendido en lugares como Nueva York, Miami, Madrid o París. Pese a ello, la calidad media se sus obras se mantiene habitualmente muy estable en niveles comparativamente elevados.
Cabrera fue el mayor colorista del continente americano durante el siglo XVIII. Naturalmente, sus composiciones derivan (en ocasiones literalmente) de estampas de origen español o flamenco. El fortísimo influjo murillesco sobre sus producciones nos hace pensar que debió trabajar en el taller de los hermanos Rodríguez Juárez, entonces en la cima de su gloria, en la ciudad de México. Desde luego, Cabrera parece beber en las fuentes del más joven de los Rodríguez Juárez, Juan, sin duda el más importante de los seguidores novohispanos del pintor sevillano.

José Agustín

Nacio en Agosto de 1803 en Santa Chautempan y a los cuatro años se va a puebla. Estudio en la academia de bellas artes de puebla bajo las ordenes de Jukan Ordonés, Lorenzo Zendejas y salvador del huerto de quienes obtuvo la habilidad para el dibujo.

De sus obras destaca:

*El retrato del general Ignacio Zaragoza.

* Cuadros religiosos.

Él producjo escenas costumbristas y naturaleza que refleja libertad en una sociedad de buenas costumbres.

Pelegrín Clavé

El pintor español Pelegrín Clavé es uno de los artistas académicos más importantes del siglo XIX. Residió en México de 1846 a 1867, fue director de la antigua Academia de San Carlos y profesor de ella, donde introdujo un nuevo concepto del arte e inició la enseñanza de pintura de paisaje. En cuanto a su pintura sobresalió, principalmente, en el arte del retrato en el que se elevó a gran altura. Su conjunto de retratos nos dan una idea bastante precisa de cómo fue la sociedad mexicana de mediados del siglo romántico. En México realizo varias obras que reflejan las tendencias y características del arte y costumbres de la época

la Nueva España

Historia de La Academia de San Carlos

La Academia de San Carlos

Fundada bajo el nombre de la "Real Academia de San Carlos de las Nobles Artes de la Nueva España" en el año de 1783 por el entonces Rey de España, Carlos III y a petición de las autoridades de la Casa de Moneda de la Nueva España, quienes veían en dicho fin principal el establecer una escuela de grabado en el entonces virreinato novohispano con la intención de mejorar la producción y acuñación de moneda al establecer dicha academia.
Se inspiró su fundación en el modelo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y fue la primera Academia levantada en el continente americano, y también tuvo en sus instalaciones al primer Museo de Arte que se inauguró en Latinoamérica. Las ramas principales que se impartieron en la academia fueron las de arquitectura, pintura y escultura. Tuvo una vida azarosa a lo largo del siglo XIX entre las revoluciones y guerras que sacudieron al país hasta comienzos del siglo XX y la actualidad, en que forma parte de la Universidad Nacional Autónoma de México. En sus instalaciones impartieron clases y estudiaron los más prestigiosos arquitectos, pintores y escultores del país educados bajo los modelos que predominaron en su momento.
La Academia de San Carlos cuenta con más de 65 mil piezas en sus acervos, y se encuentran en diferentes lugares, el más importante es el Museo Nacional de San Carlos, en la Ciudad de México.

Miguel Cabrera.

MIGUEL CABREARA:

Pintor mexicano nacio en Atequera en 1695 y se traslado a México en 1719. Fue un artísta muy prolifico, más preocupado por satisfacer la e3norme cantidad de encargos que llegaban a su taller que por la clidad de los mismos. El tema mariano y mas concretamante la Virgen de Guadalupe ocupa gran parte de su obra; sobre esta materia escribio maravillas abservadas en la dirección de las reglas del arte de la pintura.

Fue pintor de camara de arzobispo Jose Manuel Rubio y Salinas y fundador de la primera academia de pintura en México en el año de 1753.

De sus obras destaca:

*El retrato de Sor Juana Inés de la Cruz.

*El vía crusis de la catedral de puebla.

*Los cuatro lienzos ovalados del crucero de la catedral de México.

arte en la Nueva España

“Arte de la Nueva España” Siglo XVI
• Representa los conceptos religiosos y filosóficos de:
• Los franciscanos 1524
• Los Dominicos 1523
• Los Agustinos 1533
• Tres etapas:
• Medieval-Renacentista Mezcla indígena,
• Barroco romántico y colonial.
• Neoclásico
“Período Medieval-Renacentista”
Arquitectura.- Conventos y monasterios.
Monasterios Jesuitas.- Construcciones sencillas con arcos, capillas. Eran sobrios y clásicos.
Monasterios Franciscanos.- Evangelizan a los indígenas, sus construcciones básicamente eran con columnas, sin techos, púlpitos y frontones. Utilizan a la Virgen María, relieves de ángeles y su escudo.
Lugares: Xochimilco, Cuernavaca, Tlalmanalco, Tlaxcala, Calpan, Huejotzingo y Tepeacan.
Monasterios Dominicos.- Son monasterios enclavados en cerros, con columnas, capillas abiertas, arcos de medio punto, relieves, no hacen contraste con el claroscuro. Combinan el arte medieval, del renacimiento e indígena.
Lugares: Tepoztlán, Yanhuitlán y Santo Domingo (oaxaca).
Monasterios Agustinos: utilizan ornamentos, construcciones enormes con iglesias dentro de los conventos, construcciones alejadas, bóvedas de cañón y medio cañón, influencia plateresca (adornado, rebuscado, sin llegar a los extremos del barroco), relieves y pinturas, mezcla de arte indígena en cruces, pilas de agua y bautizo. Pintura al fresco (mural). Ornamentados con frescos de ocre, rojos y sepias.
“Barroco”
• Siglo XVII a XVIII.
• Exageración, fantasioso, recargado y formas complejas.
• Desaparición de formas medievales.
• Arte mudéjar/espíritu indígena.
Períodos en Europa: Períodos en México:
• Barroco
• Ultra barroco Churrigueresco, que es el equivalente
• Rococó al Ultra Barroco y Rococó
Ejemplos:
• Catedral de México
• Casa de los Azulejos
Escultura
Dos períodos
• XVII
Formas clásicas.
Telas textiles rígidas sin pasión ni emotividad, sin llegar al arte franciscano.
Rostros poco expresivos.
• XVIII
Escultura cambia.
Movimiento en la figura humana.
Fluidez en figuras
Telas y textiles suaves, flotan, exageración
Pintura
• Retablos.- pinturas populares que usan vírgenes, reyes, ángeles, milagros.
• Se incluye color y ocres
• Mural José Clemente Orozco “Omnisciencia”.
“Período Neoclásico”
• Modernidad y libertad para expresar cosas que antes no se expresaban: planos, pinturas y retratos.
• Manuel Tolsá: fachada de la Catedral de México,
“Caridad, Fe y Esperanza”
El Caballo
Hospicio Cabañas en Guadalajara: pintado por José Clemente Orozco.
Son sobrios, arcos de medio punto, cúpulas, paredes lisas estilo romano.
Artistas europeos: españoles e italianos.
• Fabregar. Inicia movimiento neoclásico en la pintura y grabado.
• Se forma “La Real Academia de las Bellas Artes”
Pintores y escultores.
• Joaquín Fabregat. Grabador Casa de Moneda.
• Luis Ximeno. Pintor.
• Alconedo. Grabador.
• Manuel Tolsá. Escultor.

horizonte preclasico